Revista
La Mancha fusiona jazz manouche y son huasteco en nuevo disco
La Mancha, un cuarteto musical liderado por la violinista y cantante francesa Clara Sinou, ha encontrado su identidad al fusionar tradiciones musicales que, a primera vista, parecen distantes. Este grupo combina el jazz manouche, la música tradicional mexicana y el swing de Nueva Orleans, una mezcla que comenzó a gestarse cuando Sinou llegó a México y descubrió el son huasteco, lo que le permitió relacionar su estilo musical con el jazz que ya interpretaba.
Desde su formación en 2021, La Mancha ha apostado por la improvisación y la reinterpretación de canciones conocidas, y ahora se prepara para dar un paso significativo al trabajar en un segundo álbum que incluirá composiciones originales. “La Mancha es un poco mi proyecto personal, es un proyecto que reúne el jazz manouche con la música mexicana”, comentó Sinou en una entrevista.
El cuarteto está compuesto por Sinou en violín y voz, Héctor Luna en guitarra, Alex Daniels en acordeón y Leo Cortés en contrabajo. Su propuesta se basa en instrumentos acústicos y busca que las diversas influencias convivan sin perder sus características individuales.
Para comprender el sonido de La Mancha, es fundamental conocer el jazz manouche, una corriente musical asociada con la tradición francesa y con el guitarrista Django Reinhardt, quien ha influido notablemente en Sinou. La violinista también menciona a Stéphane Grappelli como una referencia importante en su estilo.
El jazz manouche combina elementos de la música gitana francesa, el jazz estadounidense y las tradiciones musicales de Francia. Sinou se sintió atraída por el son huasteco al llegar a México, lo que despertó su interés por la complejidad y riqueza musical de esta tradición. Desde hace cinco o seis años, ha estado estudiando el son huasteco, incorporando su lenguaje a su búsqueda artística.
La fusión de géneros no fue un plan premeditado. Durante la pandemia, Sinou dedicó tiempo a practicar tanto el jazz manouche como el son huasteco, y con el tiempo, ambas experiencias comenzaron a entrelazarse. Un claro ejemplo de esta fusión es la reinterpretación de “Playa Sola”, una canción norteña que La Mancha adaptó al estilo del jazz manouche.
La agrupación también ha trabajado en temas como “Sombras nada más”, “El Ausente” y “Amor de mis amores”, además de una interpretación que combina “Luz de Luna” de Álvaro Carrillo con “Danube” de Django Reinhardt. Su repertorio se caracteriza por la improvisación y la reinterpretación, y en su próxima etapa, buscarán dar mayor espacio a sus propias composiciones.
La relación de Sinou con la música mexicana va más allá del son huasteco, ya que considera que la diversidad del país le ha permitido descubrir una riqueza de tradiciones musicales. “Es un país muy diverso, con muchas cosas diferentes”, afirma. Este descubrimiento también forma parte de la identidad del cuarteto, que encuentra posibilidades creativas en el encuentro de culturas.
La trayectoria de Sinou, quien nació en París, estudió en Nueva Orleans y reside en México desde 2020, refleja esta perspectiva multicultural en La Mancha. La violinista también enfrenta el reto de acercar su propuesta a públicos que no suelen frecuentar los clubes de jazz, reconociendo que, aunque hay cambios en la escena musical mexicana, el género aún tiene un carácter de nicho.
En un contexto musical cada vez más influenciado por herramientas digitales, Sinou reflexiona sobre el papel de la inteligencia artificial en la creación artística. Aunque ha encontrado resultados fascinantes en herramientas de generación musical, también ha notado que tienden a reproducir clichés y a buscar lo predecible.
A su juicio, aunque la inteligencia artificial transformará la música, la necesidad de escuchar interpretaciones en vivo seguirá siendo fundamental. Sinou concluye que el valor de la creación musical radica en las decisiones inesperadas y en la combinación de elementos que no siempre parecen compatibles.
Revista
Películas sobre infancia y guerra para ver con el reestreno de El laberinto del fauno
El aclamado filme “El laberinto del fauno”, dirigido por Guillermo del Toro, regresa a las salas de cine en una versión restaurada en alta definición y con tratamiento visual en tercera dimensión, con motivo de su 20 aniversario. Este reestreno no solo permite a los espectadores revivir una de las obras más emblemáticas del cineasta mexicano, sino que también invita a reflexionar sobre otras películas que abordan el impacto de la guerra en la infancia y las secuelas que deja en quienes la experimentan. Durante una emisión de Noticias en Claro, el especialista José Antonio Valdés Peña compartió su perspectiva sobre esta cinta y ofreció recomendaciones de otras producciones cinematográficas que exploran este tema.
El cine ha retratado de diversas maneras cómo niñas y niños enfrentan la violencia, la pérdida y el miedo en contextos bélicos, desde la Segunda Guerra Mundial hasta relatos sobre la posguerra y el franquismo. Algunas de estas obras utilizan elementos de fantasía, mientras que otras muestran de manera cruda el horror de los conflictos armados.
“El laberinto del fauno” narra la historia de Ofelia, una niña que se muda con su madre a la casa de un militar franquista en la España de la posguerra. En medio de un entorno marcado por la violencia, Ofelia descubre un mundo fantástico donde un fauno le encomienda una serie de pruebas. Esta narrativa combina elementos sobrenaturales con el contexto histórico del franquismo, explorando cómo la imaginación puede servir como un refugio ante una realidad dolorosa.
El reestreno de esta película brinda la oportunidad de apreciar su tratamiento visual renovado y recordar otras historias que abordan la infancia en medio de conflictos bélicos. A continuación, se presentan cinco recomendaciones de películas que exploran esta temática desde diferentes épocas y estilos cinematográficos.
1. **”Los niños del paraíso”** (1949) – Dirigida por René Clément, esta película francesa sigue a dos niños en la posguerra de la Segunda Guerra Mundial que intentan procesar la muerte y destrucción a su alrededor, creando un cementerio para animales muertos. La cinta aborda la pérdida desde la perspectiva infantil y recibió un Óscar honorífico a la mejor película en lengua extranjera.
2. **”El espejo”** (1975) – El cineasta soviético Andréi Tarkovski presenta la historia de un niño que trabaja como explorador para el Ejército Rojo durante la Segunda Guerra Mundial. A través de recuerdos y secuencias oníricas, la película muestra cómo el conflicto amenaza la inocencia del protagonista, ganando el León de Oro en el Festival de Venecia.
3. **”Idi i smotri”** (1985) – Dirigida por Elem Klímov, esta cinta sigue a un adolescente en Bielorrusia durante la ocupación nazi en la Segunda Guerra Mundial, mostrando cómo la violencia transforma su percepción del mundo.
4. **”Hope and Glory”** (1987) – El director británico John Boorman retrata los bombardeos alemanes sobre Londres desde la perspectiva de un niño, combinando la destrucción con la vida cotidiana y mostrando cómo la imaginación infantil puede reinterpretar situaciones aterradoras.
5. **”El imperio del sol”** (1987) – Dirigida por Steven Spielberg y protagonizada por Christian Bale, esta película sigue a un niño británico separado de sus padres durante la ocupación japonesa de Shanghái, retratando su supervivencia en un campo de internamiento y su proceso de maduración en medio de la guerra.
Estas películas ofrecen diversas perspectivas sobre las experiencias de la infancia en tiempos de guerra, explorando la pérdida de la inocencia y las formas de sobrevivir a la violencia. Con el regreso de “El laberinto del fauno”, el público tiene una nueva oportunidad de acercarse a la obra de Guillermo del Toro y recordar otras producciones que han abordado la relación entre la infancia y la guerra.
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